Vào một vài buổi tối tháng XNUMX lạnh giá ở New York, hàng nghìn người sành nghệ thuật, nhà sưu tập, chủ sở hữu phòng trưng bày (và nhân viên của họ), nhà thiết kế nội thất và những người khác, những người thích một bữa tiệc cocktail tuyệt vời và đồ vật tuyệt đẹp, đã hội tụ tại Công viên Avenue Armory đến OMG, OOO và AhAha qua các tác phẩm gốc có vẻ đẹp tuyệt vời (và giá cả tuyệt vời) để quyên tiền cho các tổ chức từ thiện (bao gồm Dia Art Foundation và Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique và InCollect đã tham gia với tư cách là nhà tài trợ cho sự kiện.

Năm mươi sáu chủ sở hữu phòng trưng bày từ 11 quốc gia (bao gồm Mỹ. Châu Âu, Anh, Đức, Bỉ, Pháp, Đan Mạch, Ý, Monaco, Hà Lan, Nam Phi, Tây Ban Nha và Thụy Điển) từ 30 phòng trưng bày quốc tế - đã trình bày một cách tiếp cận toàn cầu đến chủ nghĩa hiện đại. Salon trưng bày (để mua và chiêm ngưỡng) đồ nội thất lịch sử, hiện đại và đương đại, các thiết kế nguyên bản và nghệ thuật cuối thế kỷ 19-20.

Giá trị của nền kinh tế sáng tạo

Năm 2015, giá trị sản xuất văn hóa nghệ thuật ở Hoa Kỳ là 763.6 tỷ USD, chiếm 4.2% tổng sản phẩm quốc nội. Nghệ thuật đóng góp nhiều hơn cho nền kinh tế quốc gia hơn là xây dựng, khai thác mỏ, bảo hiểm, chỗ ở và các ngành dịch vụ ăn uống.

Nghệ sĩ sáng tạo là một tài sản kinh tế ở Hoa Kỳ và năm 2015, nhờ các nghệ sĩ, Hoa Kỳ đã xuất siêu 20 tỷ đô la thương mại đối với hàng hóa nghệ thuật và văn hóa (Mỹ xuất khẩu 63.6 tỷ đô la và nhập khẩu 42.6 tỷ đô la nghệ thuật và văn hóa).

Người tiêu dùng thuộc nền kinh tế sáng tạo chi hơn 102.5 tỷ đô la cho nghệ thuật, bao gồm hàng hóa và dịch vụ, vé vào cửa, thực phẩm, chỗ ở và quà tặng (2017).

Lĩnh vực văn hóa nghệ thuật cung cấp một số lượng lớn việc làm (4.9 triệu năm 2015), chiếm 3% tổng số việc làm của Hoa Kỳ, tính chung, người lao động được trả 372 tỷ USD.

Hoa Kỳ thịnh vượng từ nghệ thuật

Trong số các bang, nghệ thuật chiếm tỷ trọng lớn nhất trong nền kinh tế của Washington, 7.9% tương đương 35.6 tỷ USD. Dựa vào ngành công nghiệp điện ảnh và truyền hình, nền kinh tế nghệ thuật của California mang lại nhiều tiền nhất trong số các tiểu bang, với 174.6 tỷ đô la (7%).

New York đứng thứ hai trong cả hai hạng mục, với nghệ thuật mang lại 114.1 tỷ đô la (7.8 phần trăm) cho nền kinh tế. 462,584 công nhân nghệ thuật của bang đã kiếm được tổng cộng 46.7 tỷ đô la (2015).

Delaware phụ thuộc ít nhất vào nghệ thuật, vốn chỉ chiếm 1.3% nền kinh tế của bang, tương đương 900 triệu USD.

Sự kiện: The Salon Art + Design Show

Vì nhiều nghệ sĩ giới thiệu các tác phẩm mới nhất của họ tại sự kiện này, nên nó xuất hiện ở đầu danh sách “việc cần làm” của thế giới nghệ thuật. Tôi đã muốn có được mọi thứ được trưng bày nhưng thời gian, không gian và tài nguyên hạn chế cấm hoạt động này; tuy nhiên, tôi có thể giới thiệu “một vài điều yêu thích của tôi”.

Lựa chọn được tuyển chọn

Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. Newyork

Molly Hatch mang WOW đến với nghệ thuật đương đại. Bà đã biến những gì từng là sáo rỗng (những món ăn được sơn treo trên tường phổ biến vào những năm 1940) và biến khái niệm này thành những tác phẩm nghệ thuật có thể sưu tầm phù hợp với lối sống của thế hệ thiên niên kỷ (di động, không thay đổi và có thể thay đổi).

Treo đĩa là một cách truyền thống để trưng bày đồ ăn trang trí và đã là một phần của nhiều nền văn hóa từ Âu sang Á. Nhiều thế kỷ trước, những chiếc đĩa được trưng bày cầu kỳ trong nhà là dấu hiệu của sự giàu có và địa vị xã hội cao.

Hôm nay, Hatch thiết kế những chiếc đĩa của cô ấy được treo trên tường để họ có thể quan sát và chiêm ngưỡng. Vòm miệng quá khổ và được định hướng bởi màu sắc của cô ấy khuyến khích người xem xem xét lại những gì là mới và hiện tại; những gì bình thường bây giờ là phi thường.

Hatch sinh năm 1978. Mẹ cô là một họa sĩ và cha cô, một nông dân chăn nuôi bò sữa hữu cơ. Cô học vẽ và gốm sứ, lấy bằng BFA từ Trường Bảo tàng ở Boston, MA. Sau khi tốt nghiệp đại học, cô làm việc với thợ gốm Miranda Thomas ở Vermont và các khu cư trú bằng gốm tiếp tục ở Mỹ và Tây Ấn. MFA của cô ấy về gốm sứ đến từ Đại học Colorado, Boulder. Năm 2009, cô đã được trao chứng chỉ nghệ thuật / công nghiệp cư trú về Gốm tại Trung tâm Nghệ thuật John Michael Kohler ở Wisconsin.

Hatch hiện đang làm việc tại studio tại nhà của cô ở Northampton, MA. Ngoài gốm sứ, cô còn là một nhà văn, nghệ sĩ kiêm nhà thiết kế và tạo ra các mẫu vải, đồ nội thất, đồ trang sức, tranh in, bút mực và tranh vẽ. Cô ấy được truyền cảm hứng từ các xu hướng lịch sử về vải, phông chữ, đồ gốm và đồ nội thất, thừa nhận phong cách sống đương đại bao gồm việc gật đầu với hip-hop, lời bài hát indie, tin nhắn văn bản và nhạc thông tục được sưu tầm.

Hubert Le Gall. Phòng trưng bày thế kỷ XNUMX

Ghế bành Maxou (2018)

Nhà thiết kế người Pháp Hubert Le Gall sinh năm 1961. Ông theo học chuyên ngành quản lý tại trường đại học và sau khi tốt nghiệp chuyển đến Paris (1983). Năm 1988, ông bắt đầu vẽ và điêu khắc, thiết kế những món đồ nội thất có tác dụng mở rộng ranh giới, kết nối sự thơ mộng và kỳ ảo với công năng.

Anh ấy được truyền cảm hứng từ những gì siêu thực nhưng với những lời thì thầm (và la hét) đến các nền văn minh Hy Lạp và La Mã, Pháp thế kỷ 18, Đế chế, Tân nghệ thuật và Trang trí Nghệ thuật. Anh ấy cũng được truyền cảm hứng từ Salvador Dali, Jean Cocteau, Những người theo chủ nghĩa siêu thực và Max Ernst.

Tác phẩm của ông đã nhận được sự tán thưởng của quốc tế vào năm 1995 khi ông được chủ phòng tranh Elisabeth Delacarte phát hiện và quảng bá. Cuộc triển lãm đầu tiên của ông là tại Parisian Galerie Avant-Scene và các tác phẩm được trưng bày (bao gồm cả bàn hoa cúc và bình hoa), đã trở thành vật quý giá như những tác phẩm đặc trưng của ông.

Mnisi giàu có. Nam Phi

Rich Mnisi sinh ra ở Nam Phi bắt đầu khởi nghiệp vào năm 2014. Anh được ghi nhận là Người dẫn đầu về Khoa học Thời trang và được công nhận là Nhà thiết kế trẻ Quốc tế Thời trang Châu Phi của năm (2014).

Chiếc ghế da quyến rũ của Mnisi có hình dáng của Nwa-Mulamula (Người bảo vệ) tượng trưng cho sự hiện diện của bà cố của anh. Đó là sự tồn tại của cô ấy và những lời dạy của cô ấy tồn tại mãi mãi qua những câu chuyện kể, thế hệ này sang thế hệ khác. Chiếc ghế đẩu, có hình dạng một con mắt với những vũng vàng, ”… tượng trưng cho những giọt nước mắt của cô, những giọt nước mắt không bao giờ vô ích. Nếu không có nỗi đau và kinh nghiệm của cô ấy, tôi sẽ không tồn tại. Tôi đã không thể là con người của ngày hôm nay ”(Rich Mnisi).

Các hình thức gợi cảm là vượt thời gian và bản chất của chúng là duy nhất của châu Phi trong khi hấp dẫn trên toàn thế giới.

Reinaldo Sanguino. Phòng trưng bày Hoàn hảo trong tương lai. Thành phố New York.

Reinaldo Sanguino sinh ra ở Venezuela và hiện đang làm việc tại thành phố New York. Các tác phẩm nghệ thuật và gốm sứ của ông bày tỏ lòng tôn kính đối với sự sống động của môi trường xung quanh ông và mỗi tác phẩm độc đáo đều sử dụng đất sét vừa làm cấu trúc vừa làm vải.

Sanguino tốt nghiệp trường Nghệ thuật thị giác Cristobal Rojas ở Caracas, Venezuela. Ông đã phát triển kỹ thuật của mình dựa trên mối quan tâm của mình đối với đồ sứ Meissen và tầm quan trọng của nó trong lịch sử châu Âu. Anh ấy được truyền cảm hứng và ảnh hưởng bởi phong cách vẽ graffiti và tác phẩm của anh ấy thu hút sự chú ý bởi màu sắc rực rỡ, họa tiết và chất liệu dễ uốn.

Năm 2007, anh được đề cử cho Giải thưởng hai năm Louis Comfort Tiffany và là một trong những nghệ sĩ tham gia El Museo Del Barrio phiên bản thứ 5 2007-2008 Biennale, “Hồ sơ (S)” tại Thành phố New York.

Các tác phẩm của Sanguino đã được trưng bày tại Phòng trưng bày Sultan, như một phần của Dự án Dean New York; Bảo tàng Nghệ thuật & Thiết kế, New York; Bảo tàng Mỹ thuật, Houston, Texas; Bảo tàng MINT ở Charlotte, Bắc Carolina và Viện Nghệ thuật Minneapolis, Minneapolis, Minnesota. Anh ấy đã thực hiện Design Miami / lần đầu tiên với The Future Perfect (2017).

Pamela Sabroso và Alison Siegel. Phòng trưng bày Heller. Newyork

Pamela Sabroso nhận bằng BFA về Thủ công mỹ nghệ và Nghiên cứu Vật liệu từ Đại học Virginia Commonwealth (2007) và Alison Siegel nhận bằng Cử nhân Mỹ thuật từ Đại học Alfred (2009). Hiện họ sống và làm việc tại Brooklyn, New York.

Họ bắt đầu làm việc cùng nhau vào năm 2014 và nhận thấy rằng các ý tưởng của họ xuất hiện và kết hợp với nhau thông qua các bản vẽ, các cuộc thảo luận và thực tế khi làm việc gần nhau. Chung quy lại, họ thích phiêu lưu và mang đến chất lượng mới mẻ và độc đáo cho từng đối tượng mà họ tạo ra. Các tác phẩm cuối cùng là vui nhộn, thông minh, hoạt hình, độc đáo và đáng yêu. Chắc chắn là làm việc trong thế kỷ 21, họ chia sẻ sự tự do sáng tạo bắt nguồn từ phong trào Studio Glass thời kỳ đầu của Mỹ.

Các công việc đòi hỏi nhiều lao động bắt đầu từ việc chế tạo các bộ phận và khuôn sáp để thổi thủy tinh và mở rộng sang thổi thủy tinh. Sabroso, thảo luận về công việc của cô ấy với Siegel, “… để có thể sáng tạo, bạn phải cho phép mình dễ bị tổn thương. Khi bạn thành thật về con người của mình, bạn sẽ bộc lộ một góc nhìn độc đáo và kỳ lạ. Những sáng tạo kết hợp của chúng tôi là Stranger Together. ”

Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Mỹ thuật. Newyork

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Wright sinh ra ở Trung tâm Richland, Wisconsin (1867). Trong 70 năm sự nghiệp kiến trúc sư của mình, Wright đã tạo ra hơn 1100 thiết kế. Mặc dù vào Đại học Wisconsin (1885) và theo học ngành xây dựng dân dụng, nhưng ông sớm không hài lòng với lĩnh vực này. Khi làm việc cho Joseph Silsbee trong việc xây dựng Nhà nguyện Thống nhất, ông nhận ra niềm đam mê với kiến trúc nên chuyển đến Chicago và học việc tại công ty kiến trúc của Adler và Sullivan, làm việc trực tiếp với Louis Sullivan (1893).

Sau đó, ông chuyển đến Oak Park, Illinois và bắt đầu làm việc từ studio tại nhà của mình, nơi ông phát triển một hệ thống thiết kế được phát triển từ các đơn vị lưới tập trung vào các vật liệu tự nhiên được gọi là Trường Kiến trúc Prairie.

Trong những năm 1920 - 1930, ông dành thời gian cho việc giảng dạy và viết văn. Năm 1935, ông bắt đầu làm việc trên Fallingwater, thiết kế nhà ở nổi tiếng nhất của ông. Trong những năm 1940 - 1950, ông tập trung vào các thiết kế của người Usonian thể hiện niềm tin của ông vào kiến trúc dân chủ, cung cấp các lựa chọn nhà ở cho tầng lớp trung lưu.

Năm 1943, ông thiết kế Bảo tàng Solomon R. Guggenheim ở NYC. Bảo tàng mở cửa vào năm 1959, sáu tháng sau khi ông qua đời và được coi là công trình quan trọng nhất của ông.

Phòng trưng bày Mỹ thuật Bernard Goldberg ở New York bắt đầu vào năm 1998 bởi một luật sư người New York. Ngày nay, phòng trưng bày chuyên về Nghệ thuật Mỹ (1900-1950), bao gồm Ashcan, Người theo chủ nghĩa hiện đại, Người theo chủ nghĩa hiện thực đô thị, Người theo chủ nghĩa hiện thực xã hội và Chủ nghĩa khu vực, tác phẩm điêu khắc và tác phẩm trên giấy.

Hội Polloi tham dự sự kiện